« En studio, vous avez votre propre folklore »: l’artiste Edgar Sarin sur les histoires que les artistes se racontent

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La première fois que j’ai vu le travail de l’artiste français Edgar Sarin, c’était à la foire d’art Cutlog à New York en 2014. Sa galerie à l’époque, L’Inlassable, montrait des peintures enveloppées dans du papier d’archives qui ne devaient être ouvertes qu’après des périodes prédéterminées de temps. Une image ne devait être dévoilée qu’après la mort de l’artiste. J’ai trouvé la mystique attirante à l’époque, mais en 2017, lorsque Sarin a présenté une exposition personnelle au Konrad Fischer à Berlin, il a changé de cap.

Maintenant, il était un artiste. Avant l’exposition, il a enterré un groupe de ses œuvres dans des caisses dans la forêt de Grunewald à Berlin-Ouest et a passé la matinée de l’ouverture à les déterrer et à les ramener à la galerie pour installation. Un photographe l’a suivi dans les rues pour documenter l’événement.

Sarin ne fait plus ce genre de choses. « Je suis contre la performance », a-t-il déclaré à DesignTour News plus tôt ce mois-ci. Il n’obscurcit pas non plus son travail. Les tableaux exposés lors de son exposition Michel Rein, « Victoires (Suite) », sont pleinement exposés. Ces jours-ci, ses préoccupations sont doubles. Tout d’abord, il s’intéresse aux circonstances, c’est-à-dire qu’il cherche, autant que possible, à concevoir chacune de ses expositions en fonction des réalités matérielles, culturelles et environnementales du lieu où il se trouve.

Deuxièmement, il est déterminé à poursuivre ses propres intuitions individuelles (un terme qu’il utilise assez souvent), en disant qu’il veut faire de l’art «à partir de l’intestin», comme il le dit, et sans recours préalable par des idées ou des théories.

Nous avons discuté avec Sarin à l’occasion de trois expositions récentes, sur les raisons pour lesquelles les artistes ne devraient pas simplement exposer leurs œuvres, son intérêt pour l’architecture vernaculaire et pourquoi il pense que les peintres ne devraient pas passer trop de temps avec des idées.

An installation view of “Victoires (Suite),” Edgar Sarin’s show at Galerie Michel Rein in Paris in 2021. Photo: La Méditerranée.

je sachez que vous avez une manière très particulière d’aborder vos expositions. Que pouvez-vous nous dire à ce sujet ?

Le premier mouvement que je fais quand il s’agit de faire un nouveau spectacle est d’avoir un aperçu de l’environnement. Cela n’a absolument aucun sens de construire un protocole ou un geste conceptuel avant de le faire, ou d’exposer quelque chose et de le laisser être, surtout actuellement, au milieu des crises environnementales auxquelles nous sommes confrontés. Je visite donc la galerie et essaie de comprendre la culture du lieu pour comprendre ce que nous pouvons utiliser de la région pour construire quelque chose.

Je crois aussi que, dans une période de grande désorientation, nous devons regarder ce que faisaient les peuples anciens. Mais on ne peut pas faire les choses de la même manière. Les œuvres réalisées à la détrempe à l’œuf dans mon exposition Michel Rein à Paris ont été prises dans une usine d’œufs industrielle. Ils viennent du supermarché. Je trouve très touchant d’imaginer une petite société essayant de faire quelque chose comme Giotto, mais avec des œufs pris dans une usine de fabrication.

Mais « Objectif : Société », l’exposition que vous venez de clôturer au Centre d’art Albert Chanot à Clamart, s’est concoctée de manière très différente.

Oui. Le monde va dans le bon sens, et je crois que le rôle de notre génération est de faire un premier geste respectueux de l’environnement.

Il y a un monument à Clamart près du Centre d’art Albert Chanot, et quand j’ai visité le monument, j’ai remarqué qu’il y avait des arbres qui étaient tombés dans une tempête. Les racines de l’arbre étaient remontées, révélant une argile très fine. Cette argile est généralement profondément souterraine et n’est pas accessible si facilement. Au sein de la galerie, nous avons passé des mois, 30 à 40 d’entre nous, à construire à partir de 20 mètres cubes de cette argile deux œuvres, toutes deux inspirées de l’architecture vernaculaire : l’une est comme une cheminée qui monte très haut, et l’autre, que j’appelle le Kaaba, s’inspire des anciens greniers celtiques construits au-dessus du sol sur pilotis pour garder les aliments au frais et à l’écart des animaux.

Edgar Sarin, Kaaba (2020) at the Centre d’art contemporain Chanot in Clamart, France. Photo: La Méditerranée.

L’idée avec le Kaaba devait avoir la plus grande surface possible pour recevoir des œuvres d’art. Au début de l’émission, il n’y avait presque rien dessus. Mais nous avons commencé à ajouter des peintures, un peu comme si vous alliez dans une vieille ville d’Italie ou de France et que vous voyiez des graffitis d’il y a 300 ans. C’est ce genre de chose que je cherchais.

A la fin, j’ai récolté toutes ces œuvres de la Kaaba, les a entreposés et a renvoyé l’argile inutilisée à la forêt. Maintenant, nous pouvons recommencer le processus et reconstruire ailleurs. C’est une structure de récolte. Nous plantons les graines, et je crois que le salon de Clamart rassemble mes recherches dans ce que j’appelle l’heuristique de l’exposition, c’est-à-dire l’exposition comme espace de découverte. Nous ne venons pas avec un thème ou quelque chose à dire. Nous disons quelque chose et voyons comment cela se déroule.

Kaaba at the end of the exhibition "Objectif: Société" in Clamart. Photo: La Méditerranée.

Ce projet est donc très différent de ce que vous faites dans votre studio.

Oui. Dans la pratique d’un artiste vivant, je dirais qu’il y a deux phases.

Il y a d’abord le studio. C’est un lieu d’intimité, de solitude. Nous entrons chaque matin et ne savons jamais comment nous sortirons. En studio, vous avez votre propre folklore.

L’espace d’exposition est tout autre. Ce n’est pas un endroit pour apporter oeuvres d’art de l’atelier. Il s’agit plutôt de préparer l’espace. Les contraintes environnementales sont tout à fait différentes. C’est public; il y a un flux de personnes qui passe. Alors je veux voir ce qu’on peut développer au sein de cet organisme qu’on ne peut pas réaliser dans la solitude du studio.

Edgar Sarin’s Les demoiselles d’Avignon (2020). Photo: La Méditerranée.

Parlons aussi de votre projet pour l’émission collective « Napoléon ? Bis! » au Dôme des Invalides, où Napoléon est enterré à Paris. Vous avez construit quelque chose là-bas qui ressemble au Kaaba, et vous avez littéralement pris des éléments structurels – les pilotis sur lesquels le Kaaba a été construit à Clamart – pour construire le nouveau. Quelle était l’idée là-bas?

Napoléon, comme vous pouvez l’imaginer, est un sujet très critique en France, surtout en ce qui concerne le pillage des autres civilisations. C’est pourquoi il était intéressant d’aller à Clamart voler quatre pilotis, dans la plus pure tradition napoléonienne, les amener à côté de sa tombe, et construire un nouveau Kaaba.

Mais quand [“Napoléon? Encore!” curator] Éric de Chassey m’a invité à contribuer à l’émission, je lui ai dit que je ne voulais pas faire de critique institutionnelle littérale ou très discursive. Quand il y a une exposition thématique, il faut soutenir un discours ou une histoire, et c’est une position très délicate pour un artiste, je crois. La réponse devrait venir de l’intestin. Je pense que c’est très dommageable pour le travail d’être trop réfléchi.

Edgar Sarin’s Kaaba for Napoléon (2021) for “Napoléon? Encore!” at the Musée de l’armée in Paris. Photo: La Méditerranée.

Mais c’est très évidemment lié à des conversations plus larges sur le pillage et le patrimoine culturel dans le monde de l’art et au-delà, même si vous n’en avez pas l’intention.

Oui, c’est connecté. Mais pour moi, laissez-moi prendre cet exemple. Anselm Kiefer a fait quelques cours au Collège de France, et il a dit quelque chose de très intéressant dans son discours d’ouverture. Selon lui, de plus en plus, les étudiants en art lisaient tout ce qu’ils pouvaient et devenaient les historiens les plus intelligents de Baudrillard ou de Walter Benjamin. À partir de là, ils conceptualisent une œuvre d’art et la réalisent par la suite. Et il dit : ‘Je fais exactement le contraire.’

C’est aussi ce que j’incarne. Je suis devant une toile et il n’y a pas d’intellectualisation. J’essaie d’atteindre la partie la plus naïve de moi-même. Le mouvement vient en premier, et la théorie est après.

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